Ambra Medda

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Ambra Medda, de tan solo 25 años, revolucionó la industria del diseño al fundar la feria Design Miami/Basel en 2005, de la cual es directora.

La feria sucede en Basilea en verano y en Miami en invierno, a manera de hermana menor de las dos ferias más importantes en el mundo del arte, Art Basel y Art Basel Miami Beach. 2008 puede ser el año en el que evento se expanda a su tercera sede, esta vez en el continente asiático con Design Beijing.

Si bien puede resultar una movida sorpresiva para ciertos grupos, Ambra no podría estar mejor preparada para este camino. Estudió Cultura China, con miras a involucrarse en esta escena tan prometedora, en School of Oriental and African Studies en Londres, y por lo mismo, habla fluido el idioma.

Design Miami/Basel es obra tanto de Ambra, como de Craig Robins, importante coleccionista, y desarrollador de bienes raíces de la ciudad de Miami.

Cuenta la leyenda, que fue una noche de copas en la Bienal de Venecia, cuando la pareja, junto con Sam Keller, entonces director de la feria de arte Art Basel, comenzaron a formular esta iniciativa que tiempo después resultaría un éxito comercial absoluto. En 2005, 15 galerías participantes vendieron más de $7 millones de dólares en 4 días. Para su segundo año, contaban ya con 21 galerías, además de exhibiciones paralelas como el Centro Pompidou, y la marca británica Established & Sons. Las ventas excedieron los 14 millones de dólares. Este año MCH Messe Schweis, centro de convenciones suizo, y manejador de eventos como Art Basel, compraron 50% de Design MiamiBasel, y 10% de Design Miami, haciendo la expansión mucho más probable.

Pero un buen negocio resulta solo uno de los atributos de este aclamado evento, el cual elevó el discurso dentro de la industria del diseño, solidificando el termino “Design-Art”. Introdujo, a un mercado mucho más amplio las ediciones limitadas y el diseño del más alto nivel.

Nos encontramos con ella en el Café Virreyes, a unas cuadras de Lincoln Road, en la ciudad de Miami. Acostumbrada a lidiar con los coleccionistas más acérrimos, y los “creadores” más negligentes, resultó la candidata ideal para discutir con TOMO el tema de este número.

T: ¿Como definirías al lujo, a través del diseño?

AM: El diseño siempre fue algo…no quiero decir de bajo perfil, pero muy práctico. Lo que quiero decir es que el mercado no era el mismo. No era tan arriesgado o interesante, estaba bastante muerto. El diseño de edición limitada, definitivamente era más bien para coleccionistas muy comprometidos, entre decoradores de la parte norte de manhattan, o parejas excentricas, lo cual esta muy bien, pero definitivamente no tenia esta inyección de cultura contemporánea que sentimos ahora. Y ni siquiera era tan caro, así que no sé si el lujo tenía algo que ver. No creo que los diseñadores que hoy en día son súper populares vendiendo a precios muy altos, se asocien a si mismos con el lujo, pero bueno…quizá es por que yo nunca había pensado en el diseño como lujo, pero me imagino, que en el punto en el que nos encontramos, y con los precios que estamos viendo…y el mercado tan fuera de control….Si, el lujo hasta cierto punto…se trata de un precio determinado. ¿Pero qué define lujo?

T: ¿Eso es lo que quería preguntarte, es cuestión de precio?

AM: No tengo idea, no se…No soy experta en lujo, pero es una buena pregunta. Yo creo que a muchas personas en el mundo del diseño, les costaría mucho trabajo decir que trabajan en la industria del lujo….la palabra misma me da miedo, pero es verdad. Los precios son impresionantes, diseñadores jóvenes están vendiendo sus piezas por mas de $20,000 dólares, lo cual es mucho.

T: ¿Crees que el hecho de que las ediciones limitadas, hayan comenzado a adquirir esos precios, influencio la idea de considerar al diseño mas cercano al arte?

AM: Creo que este creciente interés, logró crear un mercado tan fuerte, lo cual, definitivamente acerco ambos campos. “Este es un mueble, pero se trata de una inversión, en terminos de arte, no es tan solo una silla, es algo que va a pasar generación tras generación, o que podre algún dia poner en subasta…..” Basicamente, comienzas a cuidarlo, como lo harías con una pintura importante.

T: En términos del coleccionista ¿cómo incorporas el coleccionar diseño en tu vida diaria? ¿Lo usas? ¿Lo conservas?

AM: Yo creo que es una cuestión muy personal, algunas personas guardan sus obras y difícilmente las vuelven a ver. Yo soy más de la filosofía de que tienes que disfrutar lo que tengas, la vida es demasiado corta…La mayoría de los coleccionistas de diseño realmente usan sus piezas, y en ese sentido, el diseño es muy distinto al arte, porque sí tiene ese aspecto mucho más práctico, literalmente puedes disfrutarlo.

T: Por que crees, que cuando se hace la comparación entre diseño y arte o arte y diseño, pareciera como si el diseño fuera el hermano menor del arte. Como si en esa asociación existiera una implicación aspiracional. Como si el diseño llegara más lejos mientras más se acerca al arte. ¿Crees que tenga que ver con que el diseño tiene una relación mucho más directa y clara con el aspecto comercial?

AM: No, yo creo que lo que pasa es que el diseño de ediciones limitadas nunca había sido un tema, hasta que hicimos Design Miami en 2005. Creo que muchos de los coleccionistas que fueron a Art Basel no tenían ni idea. Le preguntábamos a gente paseándose por la feria, y nos decían ¿Esto es diseño? Por lo general al pensar en diseño, se remite a B&B Italia, Kartell o Capellini y se desconoce todo este segmento con una propuesta mucho mas creativa dentro de la fórmula del diseño.

T: Existe una infraestructura bastante amplia hoy en día alrededor del diseño que se asemeja a la del mundo del arte: museos, galerías, publicaciones, crítica… ¿Crees que la fusión de ambos contextos haya tenido que ver con esto?

AM: Si, por supuesto, y hay un discurso mucho más profundo ahora. Existía muy poca teoría del o critica del diseño, y era realmente como para departamentos académicos muy específicos en museos de artes decorativas en Paris o Nueva York. Nada muy emocionante. Definitivamente nuestra generación está colaborando en la creación de una industria apasionante, que está teniendo de repente cambios impresionantes.
Y si, es básicamente el mismo esquema. Están las galerías, las revistas, los curadores, la academia y el mercado; la parte de negocios de esta industria que la hace muy similar al mundo del arte.

T: Quizá el mundo del arte, en ese contexto, se comienza asemejar al diseño. El boom de las ferias de arte, y la manera tan directa en la que ahora se da su comercialización, poco a poco va haciendo nuestra experiencia como “consumidor” casi idéntica en ambos campos.

AM: Cierto. Estas ferias crearon un contexto para una comunidad. La gente viaja, y básicamente emigra de feria en feria. Los mismos que van a las subastas más importantes en Nueva York o Londres, después van a la Tate Gallery a ver la ultima exhibición. Todo mundo sabe qué arquitecto esta trabajando en qué museo y socialmente, las personas comienzan a ser identificadas, y uno comienza a formar parte de, tomar propiedad y responder dentro de esta comunidad. Así comienzas a dejar tu propia huella, a hacerte más conocido y a integrar tu negocio con el arte. Ya seas un desarrollador o un restaurantero, donde te encuentres, terminas integrando el arte a tu profesión o viceversa, y logras de esta forma “participar” en esta comunidad, y básicamente a formar parte de “el mundo del arte”.

T: Hoy en día muchos artistas como Jeff Koons, o Haruki Murakami, se vuelven las cabezas de grandes organizaciones, con más de 50 personas trabajando en sus estudios, en una, o una serie de piezas, por más de 10 años. Bastante similar, al proceso que arquitectos o diseñadores han seguido por mucho tiempo.

Así que al final, no existe tanta diferencia entre una Acqua Table de Zaha Hadid, y un Balloon de Koons, más que el contexto en el que se exhibe y comercializa…

AM: Si, existe toda una maquina de marketing y publicidad, y se vuelve muy especifico. ¡ve a Koons…! Si miras lo que ha pasado con la fotografía y el video, se puede notar una evolución muy natural dentro del mundo del arte, el diseño, o la arquitectura. Las cosas cambian de esa manera, el mundo se adapta y se encuentran nuevas formas de capturar la atención.

Alguien empieza a coleccionar dibujos arquitectónicos, y poco después existe un gran mercado para eso. La fotografía y el video, en el comienzo, era como, ¡qué!, ¿voy a comprar un CD? Supuestamente la fotografía no debía ser un medio de comunicación, no buscaba ser expresiva ni que pudieras vender una fotografía de Andreas Gursky por 200,000 dólares. Las cosas han cambiado mucho en ese sentido, el mundo se adapta y ahora resulta muy común lo que en un principio se rechazaba por parecer muy salvaje. Hoy nadie argumentaría que la fotografía no es tan importante como la pintura. La fotografía es la fotografía, y es un sector enorme del mercado, y lo mismo con video, y lo mismo con el diseño que no solía considerarse tan valioso o coleccionable, como a partir de los últimos 5 años.

T: El primer año del evento le otorgaron a la arquitecta Zaha Hadid, el premio del Diseñador del Año. En su segundo año, la distinción fue para el diseñador australiano Marc Newson. Ambos tienen como antecedentes escalas totalmente distintas. El trabajo de Marc ha ido del diseño de productos a lo arquitectónico, y Zaha ha ido en el sentido opuesto. ¿Ves alguna diferencia en la manera que se aproximan o piensan en torno al diseño, debido a sus antecedentes “profesionales”?

AM: Creo que un valor fundamental es que, vengan de donde vengan, y cualquiera que sea su educación, cuentan con una visión, realmente genial. Tienen una visión y pueden aplicarla a un cuarto, una iglesia, un edificio, o un juego de té. Su vocabulario se traduce de manera muy natural, y si hubo razón alguna para escoger a Zaha o a Marc, fue porque son mucho más que un diseñador o un arquitecto. Han cambiado nuestro vocabulario visual, han creado algo que dejó marcada la historia del diseño, la arquitectura y el arte para siempre. Tenemos un lenguaje totalmente nuevo gracias a ellos.

T:¿Recién establecieron un nuevo premio llamado Diseñador del Futuro, cierto?

AM: Si, en Basilea. Es para diseñadores jóvenes y emergentes.

T:¿Y como los encuentras, cual es el proceso de selección?

AM: En Diseñador del Futuro, existe un proceso democrático. Mandamos un correo electrónico a 100 profesionales de la industria. Desde Ron Arad, Marc, Zaha, personas que en sus distintos campos son profesores, tienen diseñadores jóvenes trabajando en sus estudios; también incluimos galeristas, en fin, gente que está en contacto con jóvenes y talentosos diseñadores. Les pedimos que nos envíen portafolios de estos y luego tenemos un jurado de 6 personas que seleccionan entre 6 y 10 candidatos de donde se elige el ganador.

T: ¿Existe un antecedente profesional que resulta más preponderante? ¿Encuentras que seleccionan principalmente arquitectos o diseñadores industriales? ¿Es relevante el entrenamiento profesional?

AM: No incluimos diseñadores industriales, y casi todos los candidatos terminan siendo de Eindhoven o la Royal College de Londres. Muchos de ellos tienen antecedentes de arquitectura, pero la mayoría de diseño.

También hay personas como Stuart Haygarth, gran diseñador, pero que estudió fotografía. Y lo ves en su trabajo, en sus acercamientos a distintos materiales y colores y de ahí parte para empezar a pensar cómo ensamblarlos para formar nuevos objetos, a partir de otros encontrados.

T: Cómo ves la posibilidad de incluir artistas, cuyo trabajo se involucre con el espacio, la arquitectura o el diseño en un show como el tuyo?

AM: Cada día pasa de manera más frecuente. Existen muchos artistas en esta posición. Toma por ejemplo a Rachel Whiteread, o Richard Tuttle, su punto de partida puede ser arte, pero termina siendo una pieza funcional de diseño. Arte, diseño, o como quieras llamarlo, si eres una persona creativa, podrás inspirarte para realizar una silla, y después una pintura, realmente no importa. La gente hoy en día se siente muy incomoda, quiere que todo tenga una clasificación, quieren saber: ¿es arte o es diseño? Un artista, un dia, decidió hacer una silla…

T: ¿Sientes que se titubee al saltar del mundo del arte, al del diseño? Parecería ser muy natural que una diseñadora como Zaha Hadid se involucre en el contexto del arte, pero crees que surjan mayores dudas, si un artista debe decidir si su silla pertenece a Art Basel, o a Design Miami?

AM: La situación es muy distinta que la de hace 4 años. Yo creo que ahora hay muchos menos titubeo, y probablemente, en 5 años, habrá menos aún. Y para muchos artistas que disfrutan trabajar en el diseño, es casi vergonzoso. No les gustaría para nada admitir que lo que hacen no es arte y que se considere diseño. Aunque también hay muchos de ellos que no tienen ningún problema.

T: ¿Ves que el panorama esté volviéndose mucho más híbrido? ¿Que haya quién aunque viene de antecedentes profesionales distintos, arte o diseño, termina teniendo los mismos dealers, y el mismo mercado? ¿Ferias o galerías mostrando diseño y arte sin distinción?

AM: Las galerías que comercializan diseño, ya sea contemporáneo o histórico, no se veían como se ven hoy en día. Ha habido un brinco muy fuerte en el mercado en los últimos años, y yo creo que mucho de esto tuvo que ver con Design Miami, todo de repente, se elevó. No son tiendas, son galerías, y muy orgullosas de serlo. Y hacen el mismo trabajo que cualquier galería de arte: tienen un catálogo, y curan exhibiciones, crean un programa, y defienden a sus artistas del mercado, defienden el trabajo de quien sea que representen. Y de manera similar, se nota el eco de esto en las ferias. Poco a poco habrá más eventos, ferias o foros híbridos, por que ya hay demasiado traslape. Terminas teniendo arte, arquitectura y diseño formando un ente mucho más grande.

T: En estos tres años que has estado haciendo Design Miami/Basel, cual ha sido el papel de Latinoamérica, por que al parecer, en términos de galerías, no hay participación…

AM: Si, lo sé, es difícil…

De verdad he tratado de conseguir una buena galería Latinoamericana, pero es complicado, muy caro. En Brasil existe muy buen diseño, pero las galerías simplemente no tienen suficientes recursos para venir y hacer un show.

El mercado no es tan fuerte. Y aunque hay muy buen diseño de mediados de siglo que encuentras en Buenos Aires o Río de Janeiro, no hay suficiente. Definitivamente Brasil es muy interesante, Los Hermanos Campana han sido sus grandes embajadores, pero no hay tanto sucediendo en términos de diseño formando parte de una plataforma internacional, y creo que eso es por un problema económico.

T:Al parecer en México te encontrarías con la misma situación…

AM: Quizá haya una galería, y siempre hay alguien involucrado haciendo buen diseño, ya sea contemporáneo o histórico, pero no hay realmente una escena.

T:¿Al tener como sede principal Miami, encuentras que gran parte de los coleccionistas, e inclusive el público asistente, provienen de Latinoamérica?

AM: Existen grandes coleccionistas latinoamericanos. Y también es cierto que muchos de ellos logran conseguir material al que nosotros no tenemos acceso, por que en esta región puedes encontrar por pura casualidad piezas increíbles, que nunca podríamos comprar a precios tan accesibles. Como no hay realmente un mercado ahí, entonces se trata de tan solo un mueble… ese mismo, lo llevas a Nueva York, lo pones en un aparador con un precio estratosférico y estaría bien. Nadie sabe de donde viene, pero no importa. Eso es marketing.

T:¿Sería de interés para la feria, incluir diseño latinoamericano?

AM: Estoy desesperadamente buscando galeristas latinoamericanos, me encantaría tener una galería de Brasil, Argentina y por supuesto México. Le daría la bienvenida a cualquiera que cuente con la calidad necesaria, y un trabajo serio dentro del diseño. Me encantaría. Los pocos que he encontrado, no pueden costearlo. Incluso, traté de unir a dos o tres dealers de brasil, pero seguía siendo muy difícil. Pero también por ejemplo, me encantaría un dealer de Japón…Y por eso mi trabajo es tan increíble, por que nunca termina. Constantemente hay cosas que no he cubierto y que realmente quiero.

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