Tras una larga espera de 45 minutos en una fila que daba la vuelta a la calle de la galería, el público fue conducido a la parte superior del local para conocer una nueva serie de “pinturas azules” realizadas por el artista británico entre el 2007 y 2009.

Alejándose de su obra conceptual más característica, el artista retoma la figura del cráneo humano, en un nuevo diálogo con sus observadores, confrontándolos con su propia naturaleza.

Tras observar esa exposición por primera vez de visita en el continente americano, los espectadores fueron invitados a pasar al patio central de la casa para compartir sus impresiones con una cerveza o un agua mineral en la mano.

La exhibición permanecerá abierta al público desde el viernes 16 de abril de 2010 hasta el viernes 30 de julio de 2010.

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De la Tierra a la Luna
Yo uso perfume para ocupar más espacio
Mexicanos en el espacio
Museo de Arte Carrillo Gil
Del 7 de octubre al 3 de enero 2010.
Av. Revolución 1608, San Ángel, México, D.F.

Hotel Edén – Jose León Cerrillo
Proyectos Monclova
A partir del 12 de septiembre.
Goya 6 Col. Mixcoac, México D.F.  
proyectosmonclova.com

Dr. Lakra
kurimanzutto
Del 23 de septiembre al 24 de octubre.
Gob. Rafael Rebollar 94, Chapultepec, México D.F.  
kurimanzutto.com 

Anthony Gormley
Antiguo Colegio de San Ildefonso
A partir del 20 de agosto.
Justo Sierra 16, Centro Histórico, México D.F.
sanildefonso.org.mx

Días de Campo – Edgar Cobián
La Vitrina
Del 9 de septiembre al 15 de noviembre.
Colomos 2274 Col. Ladrón de Guevara,
Guadalajara, Jalisco.

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1. Casa del Lago: Antiguo Bosque de Chapultepec 1a sección, México D.F.
Now. Transformation Spaces. Aggtelek, Catalina Lozano, José Arnaud, Felipe Arturo, Miguel Rael, Marcos Rountree y Jessica Woznya. (Del 6 de marzo 09 al 10 de mayo 09)

2. Museo de Arte Carrillo Gil: Av. Revolución 1608, San Ángel, México, D.F.
Microscopias. (Del 25 de marzo 09 al 16 de agosto 09)

Galeria Yautepec: Yautepec 103, col. Condesa. México D.F.
There´s Nothing you can do That can´t Be Done. Ichiro Irie. (Del 9 de abril 09 al 26 de abril 09)

4. Centro Cultural Universitario Tlatelolco. Ricardo Flores Magón 1, col. Nonoalco-Tlatelolco, México D.F.
Invasión 68 Praga. Josef Kudelca. (Del 1 de abril 09 al 30 de julio 09)

Museo del Estanquillo. Isabel la Católica 26 casi esquina con Madero, Centro Histórico, México D.F.
Difamación a la miniatura. Santiago Tassier. (A partir del 19 de marzo 09)

MUMEDI Francisco I. Madero 74, Centro Histórico, México D.F.
Gráfica Latinoamericana siglos XX y XXI. (Hasta el 20 de abril 09)

Galería GAGA: Durango 204, col. Roma. México D.F.
Entrevista con el vampiro. Karl Holmqvist. (Del 4 de abril 09 al 30 de mayo 09)

Museo Nacional de San Carlos: Puente de Alvarado 50, col. Tabacalera, México D.F.
Plumas, lana y pelaje. El mundo animal en el arte. (Del 25 de abril 09 al 8 de junio 09)

5. Casa Vecina: 1er Callejón de Mesones 7, esq. Regina, Centro Histórico, México D.F.
Sala 1: Más vale ciento volando… Eduardo Meléndez, Eloisa Ávila y Mariana Gándara. (Del 25 de febrero 09 al 16 de mayo 09)
Sala 2: Bolso Negro (sexta edición). (Del 25 de febrero 09 al 16 de mayo 09)

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2. Thomas Dane 
Kutlug Ataman
Abraham Cruzvillegas
Steve McQueen  

3. White Cube, Mason’s Yard
Damián Ortega
Doris Salcedo
Jeff Wall

4. Max Wigram Gallery
Cory Arcangel 
Athanasios Argianas  
Manfredi Beninati  

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Estamos en un punto interesante en el arte: por un lado todavía goza de los remanentes de un boom en su mercado y por otro, la famosa crisis financiera exige que se tomen ciertas medidas. Esta conversación sucede con dos galerías jóvenes de México, los recién asociados Pamela Echeverría y José Garcia Torres, directores de Proyectos Monclova, y Fernando Mesta, director de GAGA, que aún con poco tiempo han logrado situarse en un nicho internacional

TOMO ¿Cómo deciden insertarse en un mundo de galerías?¿Qué propuesta tienen? ¿Cómo se definen y qué creen que les falta?
PAMELA ECHEVERRÍA Lo primero que hace falta son galerías. Sobre todo porque mientras más puntos de vista diferentes haya, más rico se vuelve el contexto. Faltan más galerías, pero sobre todo galerías que tengan la responsabilidad de promover el arte y trabajar de manera seria.

T ¿Qué pretende aportar al panorama Proyectos Monclova y qué carencias creen tener?
JOSÉ GARCÍA TORRES La galería se ha ido perfilando con el paso del tiempo, ha ido evolucionando. No empezamos pensando en un nicho específico, ni en un objetivo definido. Nos insertamos a este medio de forma orgánica. El tiempo es el que ha definido a Monclova y ha definido un poco más nuestra aportación a este medio. Ahora que estamos repensando todo, estamos más enfocados en hacer una lista coherente de artistas y una propuesta que tenga mucho más sentido, gracias a esta experiencia.

T Tú, como editor de una revista, ¿cómo empiezas de repente Proyectos Monclova?
J G T Cuando la empecé incluso ni teníamos tantas ganas de hacerlo un negocio. Yo tenía mi sueldo en la revista. Era una cosa más relajada; si se vendía algo para pagar la renta ya estábamos de gane. Y sí exponíamos un poco más sobre ilustración y fotografía, pues era lo que yo tenía más cerca por ser editor de una revista. Nuestras primeras exposiciones eran de ese estilo. Pero luego nos dimos cuenta que hacer una exposición y dejar a los artistas en el olvido era hacer un esfuerzo en vano. Nos dimos cuenta que había que echarle más ganas y de esta forma fue creciendo. También el mercado fue creciendo, los proyectos de arte se fueron dando solos, nuestro perfil fue evolucionando un poco. Asimismo, nuestros intereses y los intereses de la galería en general se fueron perfilando de forma distinta. Hasta que todo cambió. Hay que reaccionar dependiendo de lo que te pide el mercado. Tienes que ir reaccionando al avance del crecimiento de la galería. Nos cambiamos tres veces de lugar. Estamos poniendo orden, a ver hacia dónde vamos ahora…

T ¿A dónde van?
J G T Muy lejos (risas). Estamos enfocándonos en artistas que trabajan en proyectos y situaciones más que en objetos. No necesariamente sólo en obra conceptual y efímera, sino que también contenga un contexto social.
P E Cuando haces una galería, la persona responsable y todos los involucrados tienen que estar respondiendo al entorno. Son importantes los intereses en términos sociales, le estás dando forma a cierto concepto y eres responsable de esa forma.

T ¿Cuál es la exposición del año 2009?
P E Tratamos de empezar con artistas que claramente tienen una herencia del conceptualismo y post-conceptualismo. De hecho, queremos formar una lista de artistas que tengan un sustento histórico dentro de la galería. Entonces este año vamos a exponer a dos artistas de Dinamarca: Nina Beier y Marie Lund. Su trabajo está concentrado en las relaciones humanas, en los mecanismos que hacen que un individuo se agrupe y se organice. Finalmente, importa más el mecanismo que los sujetos.

T Regresemos a la cuestión de cómo una galería aborda temas sociales y reacciona a su contexto. El arte por naturaleza es visto como elitista y una galería es el punto más comercial y de perfección del mundo del arte. Fernando, tú vienes de hacer proyectos sin fines de lucro, de armar exposiciones, y ahora estás en una galería. ¿Cómo ves que una galería pueda realmente aportar a la sociedad, aparte de promover la producción de ciertas piezas que va a terminar comprando un coleccionista?
FERNANDO MESTA La idea de la galería se generó en Perros Negros como un espacio que le diera continuidad de una manera distinta, sobre todo en la parte económica, y continuar con otro tipo de estructura haciendo proyectos que nos interesaran a Adriana, Agustina y a mí. Después nos dimos cuenta que era difícil llevar a cabo la transición de una sociedad sin fines de lucro a una galería comercial. Entonces Adriana prefirió continuar el proyecto de Perros Negros, tal y como era antes, y yo seguir con el proyecto la galería. Pero la forma de hacer las cosas, el espíritu y hasta cierto punto la lista de artistas de Gaga tiene mucho que ver con Perros Negros.

T ¿Qué efecto tienen sobre la sociedad? No sólo el entorno del mundo del arte…
F M Tenemos que ser una plataforma para que los artistas hagan eso, acercarse a la sociedad. Apoyar a los artistas para que desarrollen trabajos que a lo mejor no son los más comerciales.

T Aparte de apoyar al artista, en ciertas galerías tienen un programa de publicaciones o un programa de pláticas.
J G T Sí; hay muchos planes de hacer muchas cosas, pero cuesta dinero. Tenemos el plan de hacer un bar para las inauguraciones y que cuando vengan los artistas den un par de pláticas. Hay muchos proyectos, pero cuestan dinero. Somos muchos viviendo de esto y el dinero que se gana se reinvierte; tenemos que ir poco a poco avanzando. En diciembre me fue bien y con eso espero empezar bien el año.
P E A lo que me refería hace rato acerca de los intereses del galerista es a que un galerista que tiene ganas de presentar un performance hace lo que sea para buscar los fondos, porque lo que más le interesa es compartirlo.

T Todo el tiempo tienen que estar reaccionando a la realidad económica. Ahora, con la crisis, ¿qué es lo que pronostican? ¿Qué está pasando con las galerías; las va a afectar o no?
F M Cuando empecé a trabajar en las galerías, en ferias como Basel se vendía todo el stand y hasta lo que había en bodega. Yo lo que siento es que en el año 2008 me fue bien. Por el tiempo que llevo, mis gastos son muy pocos. Miedo cuando ya tengas a 24 personas trabajando en tu galería y tienes que gastarte no sé cuánto en la fiesta. Ahora yo puedo escoger cómo acomodarme, así me hace más realista. Si a veces tienes que ser tú solo, lo serás, y en vez de gastarte una suma exorbitante te gastas menos.
P E La más grande libertad como galerista es necesitar poco para sobrevivir. No teníamos dinero antes, no tenemos dinero ahora. No puedes perder lo que no tienes… (risas)

T ¿Entonces, las galerías chiquitas pueden aguantar mejor la crisis?
P E Sí, las galerías chiquitas y flexibles. Y finalmente lo importante es tener muy buenos artistas y trabajar muy seriamente. Porque buenos coleccionistas siempre va a haber, y buscan a los mejores artistas.
J G T Vaya, aun así, yo sí estoy angustiado (risas)… De que todos la vamos a sufrir, todos la vamos a sufrir. Sí hay un factor de duda.

T ¿Es fácil empezar una galería en México? Viendo el panorama internacional, por ejemplo en Nueva York hay muchísimas más galerías que en México y un mercado pujante. ¿Cómo está el movimiento comercial del arte en México? ¿Cuál es el panorama del arte contemporáneo?
J G T Tener una galería mexicana tiene sus pros y sus contras. Por un lado, no hay mucho mercado, ni coleccionistas, pero por el otro es mucho más fácil crecer desde México que desde Nueva York. Allá hay tantas galerías y los costos son tan altos que no me sorprendería que muchas quebraran. Es tan globalizado el mundo del arte que ser una galería mexicana te da un aura exótica y es más fácil insertarte.
F M Y cuesta la mitad. En Nueva York la situación está muy difícil para las galerías. Yo creo y espero que desaparezcan ciertas personas irresponsables y no tan comprometidas con el arte. Antes había el dinero para darte lujos y coquetear con eso. Ahorita ya no se va a dar, esto de que el arte lo puede hacer cualquiera va a disminuir. No tiene que ser serio el arte, pero no hay que comprar cualquier cosa. Uno tendrá que comprar más responsablemente. Bueno, espero que ese extremo lujo de comprar cualquier cosa ya no este ahí.

T ¿Qué es comprar responsablemente?
F M Es tomarse su tiempo. Antes sabías que una pieza de Fischli tenía una lista de espera de diez personas y ahora nada más son dos. Por lo que te da más tiempo de pensar qué quieres, de no ir a las ferias a comprar a lo loco. La mejor herramienta de un coleccionista es el tiempo, ser mucho más lento al escoger y tener más poder.
P E Yo no estoy de acuerdo en una cosa. Es el momento de ponerse más selectivos en términos de qué colecciones compran, etc. Obviamente que hay una necesidad de vender, pero sí creo que tienes que ir más en serio, porque estás empezando a estructurar la carrera de los artistas.
F M Es una depuración de todo, de malos artistas, galeristas y coleccionistas. Es algo más sano que va a ir creciendo con el tiempo. El mercado por sí solo se va a ir depurando cada día.

T¿Se está comprando más arte contemporáneo?
F M De cuando yo trabajaba con kurimanzutto, la diferencia es enorme.
J G T En México apenas están empezando a crecer la compra de arte y el coleccionismo. Es un buen momento para México, porque el mercado sí esta creciendo; en Nueva York solamente puede ir para abajo. Los coleccionistas ya no tienen dinero.

T ¿Para diciembre de 2009 cuál sería su sueño?
J G T Si estamos contentos con las expos que hacemos y salimos tablas en diciembre 2009, yo estaré más que feliz. No sabemos qué nos espera, así que no podemos decir mucho.
F M Yo… (pausa larga) ser buen administrador. Tengo que administrar bien y también, como muchos de los artistas con los que trabajo escriben, quiero empezar a ver qué salida le voy a dar a eso. A lo mejor una publicación, con memorias o con textos. Es un sueño. Si no, un blog (risas).

T ¿Tienen alguna relación con los artistas que están saliendo de las escuelas, los mexicanos más jóvenes? ¿Hacen algo de investigación para lanzar o apostarle a cosas que sean muy recientes? Porque es obvio que una galería muy consolidada no va a hacer eso. Pero al ser una galería flexible, con posibilidades de ajustar las cosas ¿a ustedes les interesa esto?
J G T Más de cinco artistas han hecho su primera exposición aquí; es un reto para todos: para ellos, para nosotros, pues no sabes qué tanto va a crecer el artista y si realmente va a tener madera para crecer y hacer toda una carrera. Pero no hemos dicho “cada año vamos a tener un artista nuevo”. Tenemos el propósito a estar más abiertos e ir cada 15 días a hacer una visita de estudio. Para tener más claro qué es lo que está saliendo de aquí.
F M En mi caso, los artistas con los que he trabajado ya habían trabajado de otra forma con otras personas. Sería más difícil ir con los graduados y saber qué onda. Soy más lento.
J G T Me gusta la idea de apoyar a alguien desde cero, pero también es muy difícil. El artista tiene que aprender a tratar con una galería. Yo confío que muchos de los artistas con los que he hecho exposiciones la primera vez, luego hagan cosas con otras personas y luego regresen más consolidados como artistas. Entonces ya los pongo en la lista de mis artistas. Pero antes de eso no puedo apostarle a nadie así, de la nada.
F M Empiezo a exponer con Diego Berruecos una investigación que lleva un par de años haciendo del PRI, con un punto de vista bastante interesante, lo más neutro posible. Luego sigue Karl Holmqvist, luego sigue José Rojas y luego sigue Carisa Rodríguez, una chava de Nueva York. Nunca digo: “te voy a representar”; pero con todos se ha dado una continuación de las cosas.

José García Torres y Pamela Echeverría. Directores de la galería Proyectos Monclova.
Fernando Mesta. Director de la galería Gaga.

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He promised, Secession, Viena 2002
Cortesía del artista y kurimanzutto, México D.F.

C. C. ¿En qué radica la diferencia entre montar dentro de una galería, un museo o de un lounge donde llevar a cabo distintas actividades y organizar una función de cine en un cine o una cena en un restaurante? ¿Qué es exactamente lo que crees que la galería puede ofrecer?
R. T. Atención y concentración. Atención, o más bien, autoconciencia y conciencia de nuestro contexto o del contexto en el que nos localizamos. Pero realmente no hay diferencia; deberíamos prestar atención dentro y fuera de nuestra existencia cotidiana. Deberíamos leer más: leer nuestro ambiente social, leer a los otros como algo placentero y no como algo fastidioso.

C. C. ¿Esperas que los visitantes, usuarios o participantes en tus exposiciones cuestionen la manera en que conviven cotidianamente por el hecho de estar “enmarcados” por el espacio de exposición?
R. T. Siempre deberíamos cuestionar el marco y la forma en que existimos. Deberíamos ver y leer la manera en que las cosas están enmarcadas, y cómo están construidas las formas.

C. C. ¿Cómo funciona ese “marco” que es la galería?
R. T. La galería es un “hiper-marco” a través del cual uno se vuelve más visible (dentro de esa estructura en la que operar, navegar o flotar dentro y fuera). Una vez que uno es capaz de sintonizar en la lectura uno puede lograr una mayor autodeterminación.
Continua despues de la imagen.

Palm Pavilion, 2008
Cortesía del artista y kurimanzutto, México D.F.

C. C. En varias instalaciones tuyas, como Palm Pavilion que presentas en kurimanzutto durante este mes de septiembre y que mostraste anteriormente en la 27 Bienal
de Sao Paulo, es notorio tu interés por la arquitectura. En varias ocasiones has realizado réplicas de un espacio construido previamente, como en la reconstrucción que hiciste de la galería 303 dentro de la galería David Zwirner en Nueva York, presentada junto con Open House de Gordon Matta-Clark (2007), o tu instalación Untitled (He Promised), que es una réplica del estudio en Los Angeles de Rudolf Schindler exhibida en Secession, Viena (2002), o tu propio departamento reconstruido en la retrospectiva presentada en el Kölnischer Kunstverein (1996). ¿Cuál es tu aproximación a la arquitectura y a los arquitectos modernos?
R. T. Me interesa encontrar estructuras y dispositivos con los que enmarcar las condiciones en las que nos situamos. Al emplear el lenguaje arquitectónico o modelos de lenguaje puede elaborarse un contexto: los marcos se hacen visibles y las acciones pueden tener lugar.

C. C. ¿Por qué te interesó el trabajo de Jean Prouvé para la realización de esta pieza que fue presentada inicialmente en la Bienal de Sao Paulo?
R. T. Por su idea de la otredad, la idea de un idealismo utópico (el trópico) y tal vez por el malentendido (una lectura equívoca que pudiera convertirse en un nuevo vocabulario, una nueva palabra o frase).
Continua despues de la imagen.

Matta Clark & Rirkrit Tiravanija, Galería David Zwirner
Cortesía del artista.

C. C. ¿El lugar donde presentas una obra afecta el tipo de referencias que te interesa incluir en tu trabajo?
R. T. Sí, en algún modo. Pero por otra parte el sitio funciona tan bien como el no-sitio. Las condiciones aportan distintas lecturas y distintas formas de comprensión. Es importante que el sitio o la dislocación del sitio se mantengan activos y vivos. Creo que la activación genera nuevos lecturas y usos.

C. C. ¿La réplica “invoca” el lugar donde la construcción se realizó originalmente? ¿Esto es importante para ti?
R. T. Las réplicas tienen su propio sitio, y ese sitio puede invocar su propia definición y su propio lenguaje. Esto es importante mientras que la línea que separa la dependencia y la autodeterminación quede dibujada.

C. C. Colaboración es una palabra clave para definir tu trabajo, pues por un lado involucrar a otros es una condición central para ti, pero además porque has colaborado constantemente con otros artistas y autores adoptando distintos roles: por ejemplo junto con Philippe Parreno en la realización de una película, como co-curador junto con Hans Ulrich Obrist y Molly Nesbit, como editor junto con Chitti Kasemkitvana (Namdee Publishing), etc. ¿En qué proyectos disfrutas colaborar y en cuáles no?
R. T. Yo percibo las cosas – como mencioné antes – como algo placentero, así que es difícil disfrutar o dejar de disfrutar. Yo no veo la vida en un sentido u otro. Se trata del flujo, la corriente y el movimiento, en no dejar que se atoren.

C. C. ¿Estas colaborando en algún proyecto ahora?
R. T. Participo en “The Land”

C. C. ¿Qué es “The Land”?
R. T. “The Land” es una forma abierta de colaboración en un campo arrocero en Chiang May, donde cada quien adopta un rol cambiante como artista, lo mismo que trabajando la tierra, como turista o como habitante. Pero como te he dicho, siempre y cuando siga fluyendo.
Continua despues de la imagen.

He promised, Secession, Viena 2002
Cortesía del artista y kurimanzutto, México D.F.

C. C. ¿Cómo has colaborado con “The Land”?
R. T. Soy uno de sus fundadores junto con Kamin Lerdchaiprasert. También soy el presidente de la fundación aunque evito asumir el rol de autoridad.

C. C. Francesco Bonami escribió en el catálogo titulado Supermarket que acompañó tu exposición “Social Capital” presentada en el Migros Museum fur Gegenwartskunst en Zurich: “Tiravanija evita –cuidadosamente– vulgarizar cínicamente el arte en la vida, porque aún cree en el poder curativo del arte”. ¿Coincides con este punto de vista?
R. T. No soy cínico, así que probablemente Bonami esté en lo cierto, y efectivamente creo en el poder del arte, aunque creo que éste radica en su debilidad. En realidad no sé qué decir al respecto, excepto que sí creo en el arte, pero lo que el arte es , es un motivo de duda para mí.

C. C. ¿Qué es entonces eso que el arte puede curar?
R. T. La indiferencia tal vez.

Rirkrit Tiravanija (Buenos Aires,1961). Artista. Vive y trabaja en Nueva York, Berlín y Chiang Mai

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