Cuando buscas íconos de moda, seguro hay una fotografía de Terry Richardson en los resultados. Una celebridad nueva, un talento emergente, una estrella de un reality show: Richardson ya la fotografió.

Famoso por sus retratos explícitos e irónicos, sexualmente cargados y sin pedir disculpas a nadie, Terry Richardson gusta de fotografiar sujetos que son parte de la cultura pop y la moda en su forma más mundana: siendo ellos mismos.

Richardson creó su estilo a principios de los noventas a manera de hacerse notar de entre los miles de fotógrafos desempleados en Nueva York; este estilo nace de la espontaneidad y entendimiento que Terry logra con el sujeto que tiene enfrente de su cámara.

“Sin conexión con la persona, estoy fregado. Me baso en las emociones y en fotografiar gente como gente. Me olvido de las poses” declaró para el libro Influence de las gemelas Olsen.

A sus 44 años su popularidad ha crecido al grado de que no sólo su trabajo es reconocido, Terry Richardson como persona se ha vuelto una celebridad; la prueba más grande es él siendo partícipe de sus propias sesiones y saliendo en revistas junto con las modelos que fotografía.

Terry se inició en la fotografía gracias a la influencia de su padre Bob Richardson (quién murió en 2005) y a que sus intenciones de convertirse en estilista del cabello no funcionaron una vez puestas en práctica. Sus actitudes extremas y su fascinación por el punk lo llevaron a vivir en Los Angeles por un tiempo donde puso en práctica lo que este le había enseñado.
Como sus padres se divorciaron cuando él era joven (su padre dejó a su madre por una joven Anjelica Houston de 17 años) Terry cambiaba de ciudad constantemente, viviendo por temporadas con alguno de los dos, hasta que por fin se mudó junto con su padre a Nueva York para tratar de conseguir trabajo en revistas como Vogue y Allure.
Cuando decidió hacer el trabajo por si solo (reconociendo que su colaboración no funcionaba), su padre lo corrió de la casa diciéndole que nunca sería nadie sin él. Terry sin su padre empezó a documentar su vida diaria, yendo a fiestas y satisfaciendo su adicción a la heroína, el resultado de esto fue que i-D y The Face reconoció su talento y le dio trabajo.
Publicó un libro con todos sus trabajos Terryworld en el 2004 donde destaca su trabajo más explícito (y casi pornográfico) de sus sesiones con varias modelos y celebridades.
Es bien conocido que las fotografías de Richardson tienen un cierto grado de perversión, resultado de su manera de trabajar con las jóvenes modelos, desnudándose ya sea él o ellas durante las sesiones.
Durante mucho tiempo hubo un gran conformismo por parte de la industria de la moda en cuanto a la actitud de Terry al momento de trabajar.
Más recientemente, para sorpresa de muchos, fue acusado por varias modelos que posaron para su cámara, de acoso sexual y de haberlas presionado en participar en situaciones vergonzosas.
Sus declaraciones causan un conflicto con la postura tomada por la industria, pues ésta alega estar conciente de sus métodos desde hace ya mucho tiempo.
De ser ciertas estas declaraciones, en su afán por lograr distinguirse y captar el realismo de las celebridades y la moda Terry Richardson pudo haberlo llevado al extremo.

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Hace poco mas de cinco años, la arquitecta Eve Blossom partió de su disciplina para fundar una exitosa empresa de diseño, producción y venta de textiles sustentables. Trabaja en asociación con mas de ochocientos artesanos en el Sudeste asiático, buscando estabilidad económica para las comunidades y abriendo nuevos mercados. Lulan Artisans va más allá del logro de mejores condiciones de trabajo y salarios para los trabajadores. Se basa en la observación y comprensión de las costumbres y tradiciones locales y la inclusión de los artesanos en la estructura de un modelo de negocios para que entiendan cómo opera y cuál es su papel en ese contexto. Eve Blossom logró implantar un modelo de negocios que a través del diseño genera una diferencia de fondo en el contexto social.

Colaboración
Verdi + Prada
www.metoperafamily.org

Peter Gelb lleva ya tres años revolucionando la ópera desde que asumió la dirección de la Metropolitan Opera House en Nueva York. Comenzó integrando la tecnología para llevar sus espectáculos a nuevos públicos. Sin embargo, será a partir de esta temporada cuando comenzaremos a ver los frutos creativos de sus innovadoras apuestas. William Kentridge, afamado artista sudafricano, produjo la vanguardista The Nose, de Vladimir Shostakovich. Este impresionante esfuerzo fue seguido por la renovación de un clásico de Verdi: Attila. Con un par de ganadores del Pritzker como diseñadores de escenografía y nada mas y nada menos que Miuccia Prada para el vestuario culminó el tan esperado debut del director Riccardo Muti en el Lincoln Center.

Diseño
Yves Behar y Ver bien para aprender mejor
www.mexicoconvision.com.mx

Nace en México este programa con el propósito de contrarrestar los problemas de aprendizaje de hasta una décima parte de los niños de escasos recursos debidos a impedimentos visuales. Esta problemática tiene una base económica, pero también se debe al hecho que el uso de lentes se asocia más con una discapacidad que con un accesorio atractivo. Yves Behar, mejor conocido por el diseño de OLPC, diseñó un par de armazones de bajo costo en dos partes, que además pueden ser costumizados por los propios niños con distintos colores. Tienen un costo menor a $100 pesos (incluyendo prueba óptica y envío). Esta organización busca a través del diseño generar un profundo impacto en este tan delicado terreno.

Comunidad
Shapeways
www.shapeways.com

Esta comunidad no representa necesariamente una propuesta dentro del mundo de la moda; sin embargo, el sistema que plantea de autoproducción a bajo costo a partir de la impresión de diseños en tercera dimensión ha generado una activa comunidad de diseñadores explorando objetos de pequeña escala, mobiliario y joyería que rompe con todas las estructuras de producción y venta, pero también representa un cambio importante en materia de diseño y del papel del diseñador en el mercado.

Proyecto
Poco
Poco.tomo.mx

De la mano de Tomo y el evento Postopolis, a realizarse en el Museo Experimental El Eco en junio de este año, tendrá lugar el lanzamiento de nuestra línea exclusiva de productos llamada Poco. En colaboración con artistas, diseñadores y arquitectos de primer nivel, lanzaremos esta línea de bajo costo y tiraje limitado. Entre los autores que formarán parte de la primera colección se encuentran Tatiana Bilbao, Liliana Ovalle, Carla Fernández y Yael Mer.

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Cassette Playa presenta en Londres su colección Otoño/Invierno 2010 NEUROMANCE, la diseñadora inglesa conocida por vestir a MIA y generar un estilo que se podría catalogar dentro de una de las expresiones artísticas más propositivas de la última década. Famosa por sus gráficos en colores neón, por aplicar técnicas nuevas de impresión en telas basadas en láser e implementar imágenes que podrían parecer un error de computadora en sus diseños. Crea esta nueva colección basada en augmented reality,* una extensión de la realidad generada por una computadora en tiempo real. Es decir generar un Avatar**, una representación virtual de una persona.

Los modelos salían a la pasarela, en donde había una pantalla gigante atrás de ellos y una cámara digital enfrente. Éstos se iban quitando diferentes capas de ropa hasta descubrir una prenda que tenía un cuadrito con un código digital. Al momento que la cámara captaba este código se activaba la generación de un “dibujo” tridimensional, el cual aparecía sobre la imagen del modelo proyectada en la pantalla. Es decir se generaba un avatar del modelo y la prenda a partir de este software*** de computadora. Es un tanto difícil de explicar algo tan gráfico, por lo que les recomiendo que vean el video que les dejo abajo.

CP no pudo presentar esto en un mejor momento, Avatar de James Cameron se estrenó el año pasado como una de las películas más exitosas a nivel mundial.

“I don’t want to make a computer game like real life, I want to make real life more like a computer game. Through our daily interactions with technology and new forms of increasingly visual online communication, sci fi dreams of cybernetics already exist, if abstractly. We are all cyborgs in 2010. ” Carri Munden (diseñadora de CP)

Cassetta Playa siempre se ha caracterizado por inspirarse por los medios digitales, es una de las artistas que ha basado sus diseños en Internet, los videojuegos y esa comunidad virtual que dicta a una gran parte de la juventud cosmopolita de nuestros tiempos.

Definitivamente esta diseñadora ha logrado generar una pasarela sumamente interesante e innovadora. Sumando un extra a la experiencia de comprar una prenda, ya que al adquirirla te dan código de acceso para bajar el programa en tu computadora y recrear lo que paso en la pasarela. Generando tu propio Avatar en casa. Este tipo de pasarelas hacen que la moda alcance otros intereses más allá de comprar una playera o un saco, ya que la colección se basa en una idea y no en lo que los compradores están buscando. Creo que este tipo de situaciones hacen que la vida sea más interesante e inspiran a la gente a generar mejores contenidos y mejores ideas.

Sólo me queda aplaudir. Welcome to the future we got funny games!

CASSETTE PLAYA AW1011 – AUGMENTED REALITY from Amazing Grace on Vimeo.

www.8106.tv
* Para entender mejor Augmented Reality entren a http://en.wikipedia.org/wiki/Augmented_reality
** Avatar (computación) : Es la representación gráfica de un usuario.
*** El software de Animación en 3D fue generado por Philip Delamore, David Sweeney and Peter Hill de la Universidad LCF (London College of Fashion) y esta pasarela fue posible gracias a al apoyo de un fondo de esta universidad para desarrollar nuevas tecnologías.

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Bocetos de TRISTA
Entender la industria de la moda, o más bien el fenómeno de la falta de ésta en nuestro país, es una tarea compleja. Las causas son, o podrían ser, múltiples: desde la ausencia de empresarios dispuestos a invertir en el desarrollo de los diseñadores mexicanos –apostarle, digamos, a crear un mercado a mediano y largo plazo–, o los muy pocos comercios que se interesan en vender diseño mexicano, lo cual está ligado a su vez con la escasez de consumidores de moda hecha en México, a la paupérrima escena de la moda nacional y/o a la falta de diseñadores de moda y la precaria educación sobre el tema. Un circuito de la moda estructurado y completo como lo plantea Roland Barthes en su libro El sistema de la moda (1967) es inexistente en México y estamos aún muy lejos de llegar a ello.

Para cambiar el panorama, antes que una industria se debe generar una cultura de la moda. Pero bueno, ¿y qué tan importante es un sistema de la moda para un país? ¿Por qué insistir en ello? No es asunto frívolo, ni menor, si entendemos que la problemática que enfrenta la industria de la moda en México se arraiga en nuestras más graves debilidades como sociedad.

Quizá podamos decir que para forjar una cultura de la moda debe empezarse por un buen sistema educativo y la realidad es que en México existen pocas escuelas para preparar diseñadores que entiendan la moda como un lenguaje, como un mercado, como una industria. La mayor parte de las escuelas tienen divididos sus programas de estudio: unas se enfocan en la propuesta estética y otras en la factura y la producción (o sea escuelas de costura). Al salir de la escuela, la mayor parte de los diseñadores no tienen fuentes de trabajo; o se deciden por abrir su tienda propia o buscan espacios en bazares para exponer sus prendas. Las grandes empresas textileras o de ropa prefieren copiar prendas antes que contratar un diseñador que genere una propuesta propia. Simplemente es la manera en que opera el país para ésta y otras muchas cosas: beneficio inmediato al menor costo, visión a corto plazo, salir de aprietos ahorita. La cultura de los negocios en México, por llamarle de algún modo, entiende como sinónimos el gasto y la inversión. Y allí se cifra parte del problema de la industria de la moda en México… y de México.

Los diseñadores que abren sus propias tiendas o showrooms venden a precios poco competitivos; para el común de la gente es mucho más rentable comprar moda o tendencia en Zara antes que invertir tres mil pesos en una falda de autor que por lo regular está mal terminada y por lo mismo seguramente durará poco.

Más allá de pensar en generar propuesta y mercado, buscan el estatus social que da tener una marca, y se rigen por el principio de la gente asocia lo caro –estatus de por medio en México– con lo bueno. Luego están las semanas de la moda: para ser un país sin mercado, sin industria y con poca propuesta en términos de diseño, tener cinco semanas de la moda es aberrante. En cualquier país con industria se tiene una bien organizada y con un objetivo claro: el desarrollo del mercado. En cambio en México cada quien jala agua para su molino y todo es fiesta sin objetivos claros. Los organizadores invitan hipsters, RP, “gente bonita”; pero en ninguna semana de la moda nacional encontramos a los compradores de las departamentales o de las pequeñas boutiques concepto. Ni se fomenta el consumo de la moda nacional, ni se da una plataforma seria a los diseñadores; simplemente es otro pretexto para el reventón local, para presentar bebidas, nuevas marcas y darle contenido a los medios que cubren la fuente de sociales. Una vez más nos enfrentamos a la especialidad de la casa, el simulacro y la apariencia: glamour y ligereza por encima de objetivos serios y profesionales. Salir en la foto, rodeados de modelos, nuestros minutos de fama aunque el negocio esté al borde de la quiebra: ¡que siga la fiesta!

Las tiendas departamentales del país arriesgan poco y su apoyo para el talento nacional es tímido y asustadizo. Los diseñadores tienen que producir en grandes cantidades y les pagan a 90 días; lo que no se vende se lo devuelven en un estado deplorable. Si ellos no están pendientes de la manera en que están exhibidas sus prendas, los vendedores, que ganan por comisión, las relegan al inframundo. Una vez más, el problema de nuestra cultura de negocios: el abuso, el financiarse a costa de los proveedores y qué más me da si los trueno, si entretanto incremento mi facturación, jineteo, total: ya habrá más.
¿Qué hacer para fomentar una cultura de la moda que se traduzca en industria y consumo entusiasta y responsable de la producción nacional?

El caso de Brasil es digno de analizarse y no por que esté de moda el país. Su industria en términos de moda es sólida desde muchos años atrás, entre otras razones por sus altísimos niveles de consumo interno. El origen: un proyecto bien planteado que surgió de una alianza entre iniciativa privada y Estado, y que llevó a la moda brasileña a ser la primera en Latinoamérica y una de las más propositivas en el ámbito internacional. Se buscó generar un sistema integral, no sólo impulsar a los diseñadores sino procurar desarrollar todo lo que conlleva el sistema de la moda: publicaciones, agencias de modelos, RP serios y especializados en moda; modelos profesionales, fotógrafos, educación, industria, exposición, mercado, consumo, semanas de la moda con difusión y alcances a escala global, etcétera. Incluso existen museos que ya toman en cuenta la moda para su programación habitual. Se generaron apoyos para los diseñadores, no sólo económicos sino también con eventos de capacitación y educación y hasta asesorías para exportaciones. Hoy la moda brasileña y los nombres de sus diseñadores están en las publicaciones y plataformas más importantes del mundo. Esa industria genera empleo, cultura: riqueza en un sentido amplio.

En México tenemos talento. Hay casi todo, pero por partes, aislado, sin la menor articulación, sin planeación y sin la noción por parte de la industria y el Estado de que la moda puede ser también un polo de desarrollo económico, social y cultural para el país. El problema es que no será proyecto de un sexenio, y quizá no le dé a ganar elecciones a nadie.
Es el dilema de siempre: falta de líderes visionarios que estén dispuestos a trabajar por el bien común, renunciar a la inmediatez sexenal o electorera y contribuir –finalmente para eso se les paga– con el desarrollo del país. No saldrán de entre los que están, pero quizás estén entre los que vienen.

Ana Elena Mallet. Curadora y promotora cultural independiente.

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Bocetos de TRISTA

En México todos consumimos moda. Sin embargo, casi nadie consume moda mexicana. ¿La explicación estará en la falta de talento, de dinero, de calidad, de creatividad? ¿Hay o no industria de la moda en este país?

PLATAFORMAS Y TALENTO
¿Por qué en México ha llegado a haber cuatro plataformas de moda al mismo tiempo? Es una pregunta que todo mundo (expertos y aficionados a la moda) se hace cada vez con más frecuencia. En corto y sin darle muchas vueltas, el estandarte de cada una de estas plataformas es el mismo —varían las palabras y se utilizan los sinónimos—: “impulsar-promover-difundir-apoyar la industria de la moda”, “crear-fortalecer-madurar la industria de la moda mexicana con el talento de jóvenes diseñadores”. Todos quieren crear una industria. Pero, ¿la hay?
En México, ninguna plataforma ha llegado a consolidarse, ni a crear un nombre real y fuerte que represente y sea sinónimo de la moda en México. Ningún evento de moda ha logrado generar un contexto de moda que, al menos en el tiempo en el que se lleva a cabo (dos veces al año), genere actividades culturales, comerciales y sociales. Ningún evento de moda ha logrado, pues, convertirse en algo relevante. En menos de cinco años hemos visto pasar ante nuestros ojos nombres como Fashion Week México, Mercedes Benz Fashion Week, DFashion, IDM (Internacional Designers México). Y lo mejor de todo es que no es que una sustituya a la otra: todas se llevan a cabo y, en el mejor de los casos, en el mismo mes.
Esto nos empuja a otra duda. Si existen tantas plataformas de moda en México, es porque debe de haber el talento suficiente. La respuesta es negativa. Es absurdo que existan tantas semanas de la moda cuando no existe el talento que las respalde. Son escasas las propuestas de moda, algunas de ellas tan repetitivas temporada tras temporada, tan añejas (por no decir nada vigentes), tan mal elaboradas y sin calidad, que no deberían ser consideradas para presentarse dentro de una plataforma de moda seria.
Sin embargo, en lo que sí han mejorado todas ellas es en producción y organización. Eso hay que reconocerlo. Han mejorado en puntualidad, formación y estructura. Queda por pulir la convocatoria y la difusión acertada.

CULTURA Y PUBLICACIONES EDITORIALES
Hoy México está intentando producir moda; sin embargo, a diferencia de las capitales de la moda en el mundo, como París, Londres o Milán, que cuentan con una vasta trayectoria consolidada ya como parte de su historia, somos un país que carece de esa herencia cultural, lo cual hace que el desarrollo en esta industria sea mucho más complejo. Esto nos hace ser novatos en el tema y nos aleja de lo que representa establecer una marca basada en su calidad, historia, visión y pilares. No sólo como un modelo que genera estilos y tendencias, sino como empresas que creen negocios.
Parte esencial de la moda son las publicaciones que la transmiten. Un tema que en nuestro país también se encuentra en una situación crítica. Nosotras como fundadoras de una revista de moda y cultura, creamos 192 como respuesta a una carencia en el mercado de revistas mexicanas que lograra transmitir el qué, el quién y el cómo de esta industria en una forma creativa, fresca y auténtica. Celebramos productos mexicanos que merecen ser publicados y no dejamos atrás lo que sucede en el resto del mundo, pues es el punto de partida y referencia. Pero al igual que en cualquier ámbito, vemos la urgencia de que existan otras publicaciones de moda comprometidas con la idea de fortalecer la industria en este sentido. Hemos visto cómo han existido grandes ideas abandonadas en el camino, y también hemos visto brotes de propuestas en el mercado editorial que habrá que seguir para ver en qué desembocan. Al final lo que necesitamos es tener un sentido de competencia, de motivación. De poco sirve ser una publicación aislada y con éxito sólo porque no existen otras opciones, pues eso se traduciría en una falta de creatividad, trabajo, energías e ideas en ese ámbito.
La moda de nuestro país se retroalimenta con los diseñadores, con las plataformas, con las publicaciones, con los fotógrafos de moda, con los editores de moda y con el público que consume. Cada uno es pieza clave en la industria. La debilidad de algún elemento de este todo afecta y se verá reflejado en el trabajo, objetivo y proyección de los otros.
Estamos en un punto clave en el que la visión, el compromiso y el trabajo pueden lograr que la industria de la moda en el país crezca o se desvanezca.

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Por Danaé Salazar y Fabiola Zamora / revista 192

En 2009, 192 cumplió un año de vida. Corrimos un 2009 tropezado y difícil para el crecimiento de un proyecto editorial independiente como el nuestro. Fue un año de trabajo. Fue el periodo que, a pesar de todo, logramos un nivel de exigencia alto que permitió crecer la revista hasta empezar, en poco tiempo, a internacionalizarla.

Después de DFTokio llegó Nueva York. Cerramos el año invitadas a participar en un proyecto de diseño y arte, una muestra colectiva organizada por Factoría de Santos el pasado 11 de diciembre en la galería Eyelevel ubicada en Williamsburgh, Brooklyn. HONESTY fue una exposición que reunió a 10 personajes sobresalientes en diferentes ramas artísticas (ocho de ellos mexicanos), quienes presentaron una pieza inspirada en la palabra honestidad. Bang Buró, Vena2, Ciler, Mónica Ruzansky, Luisa Gloria Mota-Velasco, Gabriela Artigas, Gabriela Alba Cal y Dr. Morbito fueron los expositores en esta ocasión.

Aprovechamos el viaje para visitar a clientes de la industria de la moda y presentarles revista 192. Crear nuevos vínculos de trabajo que nos permitan tener materiales frescos dentro de las páginas de 192. Y de ahí, a crear historias de moda, nuevos equipos de trabajo y una visión más diversa y completa de la moda. Trabajamos con San Sierra, un fotógrafo mexicano radicado en Nueva York, con quien hicimos dos historias de moda; otra sesión fue fotografiada por Fabiola Zamora, por supuesto. Estas tres historias de moda serán publicadas en la primera y segunda edición de 2010. Fue enriquecedor ver la percepción que gente profesional de la moda, fuera de México, tiene sobre la revista. Respetan el trabajo que hemos hecho y al mismo tiempo nos retroalimentan con sus opiniones para que nuestro proyecto siga evolucionando. En este viaje surgieron nuevos proyectos de los que les estaremos hablando el año entrante.

Nuestro objetivo para 2010 es ir formando el camino para poder seguir proyectándonos internacionalmente, seguir creando vínculos que vayan más allá de la revista impresa, pero que a través de ella podamos seguir siendo parte de proyectos como Honesty o DFTokio.

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Del 21 al 23 de octubre se llevó a cabo DFTokio, un proyecto organizado por la Revista 192, Sicario.tv y Pasaguero. Un proyecto que quiere dar a conocer nuevas expresiones culturales mexicanas en Asia y que toma la moda como primer eje de acercamiento con el país asiático. La curaduría de moda estuvo a cargo de 192 y cinco de las mejores propuestas de moda contemporánea del país fueron elegidas para presentar sus colecciones primavera/verano 2010 en Japón.

Tres días de moda mexicana en un país que funciona completamente distinto al nuestro. Sociedades opuestas. Una cultura de la cual hay mucho que aprender. Un país que vive la moda día a día, que la vive plenamente y con todo. Los japoneses realmente producen y consumen moda. Tal vez fue arriesgado presentar nuestra moda en un país que a primera vista se siente radical. Sin embargo, el objetivo de DFtokio es el de iniciar una relación cultural, tantear el terreno, saber dónde estamos parados en el mundo de la moda y rebasar fronteras. Así lo hicimos. Montamos una expo de moda en Tokio. Durante esos tres días nos visitaron editores de las mejores revistas de Japón (Numero, Harper’s Bazaar, WWD), compradores de la talla de HP France (una de las empresas más importantes dentro de la moda nipona) y estilistas. Cada diseñador explicó personalmente su propuesta, su nueva colección. Hablaron con todos y cada uno de los japoneses que asistieron al evento.

Nuestros invitados se limitaban a escuchar y observar cada pieza de ropa con un detenimiento que a veces intimidaba.

Los diseñadores fueron protagonistas y esto es una muestra de su trabajo y de lo que presentaron en Tokio. El objetivo es seguir adelante. Esperamos haber iniciado la creación de un puente cultural entre México y Japón.

Trista. Es la dupla integrada por José Alfredo Silva (1979) y Giovanni Estrada (1978).
La literatura tiene una influencia directa en su propuesta de moda pues varias de sus colecciones han estado basadas en cuentos o libros y buscan imitar su capacidad para generar imágenes con movimiento único. Sus creaciones se caracterizan por complejos patrones, la superposición de capas y la experimentación con el volumen.

Temores. Diseñador y estilista mexicano con tres colecciones bajo su nombre y más de 60 editoriales de moda publicadas desde el 2004. Su gran obsesión es presentar imágenes impactantes y eclécticas que tengan un toque retro futurista. Ha participado en el diseño de imágenes de varios artistas pop mexicanos y ha colaborado en campañas publicitarias tanto en México como en Latinoamérica.

Gabriela Artigas. Es mexicana pero diseña desde Los Ángeles, California. Lo de Artigas es la joyería semipreciosa, de diseño fresco y natural, neutral, femenino. Sus piezas ocupan un lugar especial en el cuerpo humano —bandas para la cabeza, collares que atraviesan el pecho a lo transversal, gargantillas asimétricas, collares alrededor de los hombros—.

Alejandra Quesada. El estilo de Quesada tiene una fuerte influencia de su herencia mexicana, la cual mezcla con un mundo de fantasía propio. Trabaja con técnicas tradicionales, la mayoría hechas a mano, en las que combina bordados con diferentes motivos inspirados en elementos naturales tales como plantas, flores, pájaros y frutas.

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Taller Flora es un proyecto enfocado a la moda y a la alta costura que busca aprender de nuestras tradiciones y procesos artesanales para poder ofrecer una propuesta auténtica y de nivel internacional. Ha instaurado un nuevo modelo de trabajo cooperativo en donde una parte esencial son los talleres para compartir conocimiento y pensar en un crecimiento sustentable. En entrevista con su fundadora Carla Fernández, nos cuenta las distintas dimensiones de este proyecto.

[TOMO] El trabajo de Taller Flora ha obtenido el reconocimiento de los círculos internacionales; sin embargo, ese reconocimiento no parece ser tu único objetivo. Has trabajando con diseños y procesos artesanales y lanzado tu propia línea, donde cada prenda parece tener una dimensión mucho más profunda relacionada con tradiciones, procesos y colaboraciones. ¿Puedes comentar un poco más acerca de lo que buscas en una prenda?
[CARLA FERNÁNDEZ] Nuestro principal objetivo ahora es que esto sea un negocio rentable, que realmente funcione como una industria creativa exitosa y que beneficie a toda la cadena de creativos y productores que requiere un empresa de moda. El reconocimiento es muy importante para el diseñador de moda, es parte de nuestro alimento espiritual, pero yo creo que el noventa por ciento de nuestra energía está enfocada a que nuestra empresa funcione con el propósito de que los artesanos puedan vivir de su oficio.

[TOMO] También hay una referencia a la historia y los procesos tradicionales en tu trabajo. ¿Nos podrías hablar del proceso de Flora y qué busca?
[CARLA FERNÁNDEZ] En México siempre se dice que no hay moda, y a mí me llama la atención que si te paseas por la magnífica ciudad de México y ves a todas estas mujeres y hombres vestidos con sus trajes tradicionales, te digan que no hay moda en México. En cualquier otro país que tuviera nuestra riqueza textil harían maravillas, como es el caso de la India, Francia, Italia o Japón.
Nuestro gran propósito es juntar este lenguaje de diseño con el lenguaje tradicional, que todos sabemos que son dos mundos muy distantes porque los procesos de la moda son muy rápidos y tienes que estar cambiando constantemente y el mundo de las tradiciones es completamente lo opuesto: tiempos de producción lentos, con una carga a veces hasta de tres mil años, y cómo hacer que esos mundos convivan. Esto es lo que nosotros hacemos: moda a partir de nuestras ricas tradiciones. En este esquema es muy importante que el artesano no sea maquilador de las ideas de los diseñadores. Creo que el artesano también debe de ganar por su propiedad intelectual; tenemos que aceptar que los artesanos deben tener ganancias por una idea y por cuidar nuestra tradición, pues es gracias a ellos que nuestras artesanías no mueran. Actualmente hay muchas artesanías y procesos textiles que están a punto de extinguirse.

Cortesías Taller Flora/Carla Fernández

[TOMO] Tu trabajo está jugando con muchas variables al mismo tiempo. Por un lado es un trabajo de rescate histórico, algo de antropología geográfica, diseño de moda en un círculo internacional, y al mismo tiempo administración de negocios. ¿Qué es para ti sustentable en Taller Flora?
[CARLA FERNÁNDEZ] Para mí, el que nosotros podamos ser sustentables significa que cada parte de nuestra cadena de producción la lleve quien mejor lo sepa hacer. Me ha pasado lo contrario. He trabajado para muchas ONG y para el gobierno, y se han hecho muchos esfuerzos desde hace ya mucho tiempo en donde se le pide a un artesano que haga toda la cadena creativa o toda la cadena de producción. Es muy complicado que alguien sea bueno cosiendo, que sea bueno bordando, que esa misma persona tenga la capacidad de salir a vender, que además sepa empacar, etc. Se le piden muchas cosas a una sola persona. Para mí es todo lo contrario: para poder ser eficientes y sustentables, cada quien debe de poder hacer muy bien lo que le toca hacer. Que si el artesano es un excelente artesano, que se quede en esa parte de creatividad y manualidad; la persona que sabe hacer los negocios que sea la persona que haga lo suyo, y quien sabe hacer el diseño que se dedique a esa parte. Creo que a México le hace falta admitir que es muy valioso saber trabajar en equipo. Siento que nos cuesta mucho trabajo y que esta parte de trabajo en equipo nos puede llevar a un proyecto exitoso y sustentable.

[TOMO] Y estos equipos interdisciplinarios, ¿cómo los formas?
[CARLA FERNÁNDEZ] Pues estos equipos son muy curiosos. De repente en el taller te vas a encontrar con Cristino, que con trabajos habla español, que viene a hacer unos bordados mayas, y junto está una francesa que está resolviendo la parte de los bordados al estilo francés, y una sastre inglesa y una chava del D.F. que está encargándose de la mercadotecnia. Cristina Rangel, mi socia, que estudio negocios de moda, se encarga de la parte financiera, y yo de la parte del diseño y los talleres. De esta manera se va formando un mosaico de quienes mejor hacen cada trabajo.

[TOMO] Hablas de los talleres. Has ofrecido ya muchos y has dirigido iniciativas de cooperación de trabajo. ¿Qué crees que sea el proceso más eficiente para llevar acabo productos, proyectos y empresas “comunes”? ¿Qué cosas has aprendido de estos procesos?
[CARLA FERNÁNDEZ] He aprendido muchísimo, toda una lección de vida. La primera lección cuando sales a trabajar a las comunidades rurales es que te tienes que detener. Son procesos completamente distintos de aquéllos a los que estamos acostumbrados en las ciudades. Tengo un propuesta de pedagogía en el libro de Taller Flora en donde se aborda qué tan diferentes somos, y que si queremos tener una propuesta de diseño, ésta debe de venir desde dentro. Hay que entender que, a veces, en lugar de utilizar el sistema métrico con una señora de Zinacantán, que difícilmente puede reconocer un número uno, habrá que utilizar dedos, codos y cuartas. Ésta es la primera lección: frenarte y entender qué es lo que está pasando y resolver problemas inmediatos. Otra de las grandes lecciones es que en ocasiones vas a una comunidad y te toca organizar una comida. La gente tiene muy poquito tiempo. Recordemos que el 90% de las artesanías en México son hechas por mujeres, y esas mujeres tienen que atender a familias numerosas, cuidar la siembra, los animales, etc., y con toda la carga les es muy difícil asistir a una plática de salud o a un taller. Adecuarte a sus tiempos y forma de vida y poder ser feliz concentrándote en una cosa, aunque sea por corto tiempo, y no descuidar tus labores. No se trata de cambiarlo e intentar mecanizar a la gente que así vive. Satisfacciones hay muchísimas, como saber que México tiene todo en potencial de diseño y creatividad. Cada vez estoy más convencida que nuestras artes populares son el futuro de nuestro país para competir en un escenario internacional. Tenemos que empezar a creer que las industrias creativas son un buen negocio. Es importante darnos cuenta que tenemos todo el potencial, en lugar de estarle echando tierra encima.

Foto Mark Powell. Modelo Ramiro

[TOMO] ¿Con qué comunidades están trabajando?
[CARLA FERNÁNDEZ] Estamos trabajando con charros del D.F., en Tenango de Doria, Hidalgo, apoyados por Fonart, capacitando a 120 artesanos, haciendo un programa piloto de estancia infantil, un banco de materiales y centro de trabajo. La idea es que esto más adelante se pueda repetir en otras comunidades.

[TOMO] ¿Qué problemas ves en trabajar en tantos puntos geográficos, con equipos tan grandes y sacando adelante un modelo distinto al que se ha utilizado?
[CARLA FERNÁNDEZ] Siempre que estás en un proceso de descubrimiento es un trabajo difícil, pero no imposible. Hay que trabajar quizás, en lugar de ocho horas, quince. Depende de qué tanto quieres tu trabajo y si ves como una fortuna poder desvivirte por él, cuidando qué tanto lo puedes mantener y nivelarte. Es muy difícil apoyar las artes populares y la moda, porque existe una competencia terrible. Nos llega ropa baratísima de todos lados y actualmente la moda mexicana está en una depresión bastante grave. Pero tenemos que luchar por enseñar que esto puede beneficiar a muchas personas, darle un orgullo al país y competir tanto en diseño como artesanía o negocio.

[TOMO] Mencionaste una depresión en el diseño mexicano. ¿Cuáles son los fuertes y las carencias en el diseño de moda en México?
[CARLA FERNÁNDEZ] Siento que cada vez hay más diseñadores de moda y más talentosos. Se han abierto escuelas, lo cual es muy importante. Es un proceso en el que tenemos que confiar más en nosotros mismos y tenemos que consumir lo nuestro. Un grave problema en México es que no nos consumimos a nosotros mismos, como sucede en Brasil o Italia. Vamos bien, pero hay que trabajar horas extras y acompañarnos para lograr una efervescencia creativa importante.

[TOMO] Has trabajado en el programa de una escuela de moda. ¿Qué debe existir en sus programas?
[CARLA FERNÁNDEZ] Creo que se debe enseñar a trabajar directamente con talleres familiares y artesanos, además de con la industria. Entiendo que la industria es una parte importantísima, pero los artesanos y los talleres también forman parte de nuestro contexto y contribuyen a nuestra riqueza y a nuestra identidad. No vamos a competir con los chinos haciendo ropa italiana. En las escuelas habrá que aprender de la riqueza textil y artesanal de México.

[TOMO] ¿Qué sigue para Taller Flora?
[CARLA FERNÁNDEZ] Estamos viendo de qué manera hacemos nuestra línea industrial. Hasta ahorita sólo nos hemos dedicado a la línea de alta costura para hombres, mujeres y niños, y no nos damos abasto. Y hace falta poder responder si de repente nos llega un pedido de 5 000 camisas diseñadas por una cooperativa y, por otro lado, mantener la otra línea donde está la camisa bordada, pero de ésa solamente existen 500.

El trabajo de Taller Flora está disponible en Alejandra Redo, Campos Elíseos 199, colonia Polanco, y en su taller en Flora 2, colonia Roma, México D.F. info@flora2.com

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Diseñadora gráfica de profesión, Paulina nació en la ciudad de México pero ha trabajado en diferentes empresas de diseño en Estados Unidos desde hace diez años. Para la exposición Design for a Living World, viajó a los bosques de Bolivia, a trabajar con artesanos del lugar en el diseño de una serie de bolsos realizados con madera, algodón y jipijapa (fibra de palma) bajo la reconocida marca de accesorios Kate Spade New York. Esta exposición tuvo lugar en el Cooper-Hewitt Design Museum; su objetivo era juntar a diez diseñadores del mundo de la moda, la industria y el mobiliario para desarrollar objetos con materiales naturales y sustentables de alguna región específica.

www.paulinareyes.com

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Más que ser simplemente la marca de calzado brasileño más popular fuera de Brasil, Melissa ha logrado cimbrar su nombre como un referente del diseño a nivel mundial. Con varias participaciones de la moda como Vivienne Westwood, y del diseño como Zaha Hadid y Karim Rashid, año con año sorprenden al mundo con una propuesta más innovadora e interesante en calzado plástico. En su última participación, los hermanos Campana comenzaron ya a incorporar la sustentabilidad como parte de su propuesta, utilizando plástico reciclado como material prima.
www.melissa.com.br

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